ศิลปะ + การออกแบบ. มีไหวพริบอารมณ์ขันและว้าว

ในช่วงเย็นของเดือนพฤศจิกายนที่หนาวเย็นไม่กี่เดือนในนิวยอร์กผู้ที่ชื่นชอบงานศิลปะส้นสูงนักสะสมเจ้าของแกลเลอรี (และพนักงานของพวกเขา) นักออกแบบตกแต่งภายในและคนอื่น ๆ ที่ชอบงานเลี้ยงค็อกเทลที่ยอดเยี่ยมและงานศิลปะที่น่าทึ่งได้มาบรรจบกันที่สวนสาธารณะ Avenue Armory ไปยัง OMG, OOO และ AhAha จากผลงานต้นฉบับที่มีความสวยงามยอดเยี่ยม (และราคาดี) เพื่อหาเงินบริจาคให้กับองค์กรการกุศล (รวมถึงมูลนิธิ Dia Art และ Planned Parenthood NYC) Ruinart, Goyard, Lalique และ InCollect เข้าร่วมเป็นผู้สนับสนุนกิจกรรม

เจ้าของแกลเลอรีห้าสิบหกคนจาก 11 ประเทศ (รวมถึงสหรัฐอเมริกายุโรปสหราชอาณาจักรเยอรมนีเบลเยียมฝรั่งเศสเดนมาร์กอิตาลีโมนาโกเนเธอร์แลนด์แอฟริกาใต้สเปนและสวีเดน) จาก 30 แกลเลอรีนานาชาติ - นำเสนอแนวทางระดับโลก สู่ความทันสมัย Salon จัดแสดง (สำหรับการซื้อและชื่นชม) เฟอร์นิเจอร์ที่มีคุณค่าทางประวัติศาสตร์สมัยใหม่และร่วมสมัยการออกแบบดั้งเดิมและศิลปะในช่วงปลายศตวรรษที่ 19-20

 คุณค่าของเศรษฐกิจสร้างสรรค์

ในปี 2015 มูลค่าการผลิตทางศิลปะและวัฒนธรรมในสหรัฐอเมริกาอยู่ที่ 763.6 พันล้านดอลลาร์คิดเป็น 4.2 เปอร์เซ็นต์ของผลิตภัณฑ์มวลรวมในประเทศ ศิลปะมีส่วนช่วยเศรษฐกิจของประเทศมากกว่าการก่อสร้างการทำเหมืองการประกันภัยที่พักและอุตสาหกรรมบริการอาหาร

• ศิลปินที่สร้างสรรค์เป็นทรัพย์สินทางเศรษฐกิจในสหรัฐอเมริกาและในปี 2015 เนื่องจากศิลปินสหรัฐฯมีการค้าสินค้าด้านศิลปะและวัฒนธรรมเกินกว่า 20 พันล้านดอลลาร์ (อเมริกาส่งออก 63.6 พันล้านดอลลาร์และนำเข้าศิลปะและวัฒนธรรม 42.6 พันล้านดอลลาร์)

 

• ผู้บริโภคในยุค Creative Economy ใช้จ่ายเงินกว่า 102.5 พันล้านเหรียญสหรัฐในงานศิลปะรวมถึงสินค้าและบริการตั๋วเข้าชมอาหารที่พักและของขวัญ (2017)

 

• ภาคศิลปะและวัฒนธรรมจัดหางานจำนวนมาก (4.9 ล้านคนในปี 2015) ซึ่งคิดเป็น 3 เปอร์เซ็นต์ของงานทั้งหมดในสหรัฐฯซึ่งรวมแล้วมีการจ่ายเงินให้คนงาน 372 พันล้านดอลลาร์

รัฐเจริญรุ่งเรืองจากศิลปะ

ในบรรดารัฐศิลปะมีส่วนแบ่งทางเศรษฐกิจมากที่สุดของวอชิงตันคือ 7.9 เปอร์เซ็นต์หรือ 35.6 ล้านดอลลาร์ ด้วยการพึ่งพาอุตสาหกรรมภาพยนตร์และโทรทัศน์เศรษฐกิจศิลปะของแคลิฟอร์เนียให้เงินมากที่สุดในบรรดารัฐด้วยเงิน 174.6 พันล้านดอลลาร์ (7 เปอร์เซ็นต์)

นิวยอร์กอยู่ในอันดับที่สองในทั้งสองประเภทโดยศิลปะนำเงินเข้าสู่ระบบเศรษฐกิจ 114.1 พันล้านดอลลาร์ (7.8 เปอร์เซ็นต์) คนงานศิลปะ 462,584 คนของรัฐมีรายได้รวม 46.7 ล้านเหรียญสหรัฐ (2015)

เดลาแวร์พึ่งพาศิลปะน้อยที่สุดซึ่งมีเพียง 1.3 เปอร์เซ็นต์ของเศรษฐกิจของรัฐหรือ 900 ล้านดอลลาร์

กิจกรรม: การแสดงศิลปะ + การออกแบบของ Salon

เนื่องจากศิลปินหลายคนแสดงผลงานใหม่ล่าสุดของพวกเขาในงานนี้จึงปรากฏอยู่ในรายการ“ สิ่งที่ต้องทำ” อันดับต้น ๆ ของโลก ฉันอยากได้มาเกือบทุกชิ้นที่จัดแสดง แต่เวลาพื้นที่และทรัพยากรที่ จำกัด ห้ามไม่ให้ทำกิจกรรมนี้ อย่างไรก็ตามฉันสามารถแนะนำ“ บางสิ่งที่ฉันชอบ”

การคัดเลือกที่คัดสรร

1. มอลลี่ฟัก. Todd Merrill & Associates Studio นิวยอร์ก

Molly Hatch นำ WOW มาสู่งานศิลปะร่วมสมัย เธอได้เปลี่ยนสิ่งที่เคยเป็นความคิดโบราณ (จานแขวนผนังซึ่งเป็นที่นิยมในช่วงทศวรรษที่ 1940) และเปลี่ยนแนวคิดให้เป็นงานศิลปะที่รวบรวมได้ซึ่งเหมาะกับวิถีชีวิตของคนนับพันปี

การแขวนจานเป็นวิธีดั้งเดิมในการแสดงอาหารเย็นที่มีการตกแต่งและเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมมากมายจากยุโรปไปจนถึงเอเชีย เมื่อหลายศตวรรษก่อนการจัดแสดงจานอย่างละเอียดในบ้านเป็นสัญลักษณ์ของความมั่งคั่งและสถานะทางสังคมที่สูง

ปัจจุบัน Hatch ออกแบบจานของเธอให้แขวนบนผนังเพื่อให้สามารถสังเกตเห็นและชื่นชมได้ เพดานขนาดใหญ่และขับเคลื่อนด้วยสีของเธอกระตุ้นให้ผู้ชมพิจารณาใหม่ว่ามีอะไรใหม่และตอนนี้ สิ่งที่ธรรมดาตอนนี้ไม่ธรรมดา

ฟักเกิดเมื่อปี พ.ศ. 1978 แม่ของเธอเป็นจิตรกรและพ่อของเธอเป็นเกษตรกรโคนมอินทรีย์ เธอเรียนการวาดภาพและงานเซรามิกโดยได้รับ BFA จาก Museum School ในบอสตันรัฐแมสซาชูเซตส์ หลังจากเรียนจบวิทยาลัยเธอทำงานกับช่างปั้นหม้อมิแรนดาโธมัสในเวอร์มอนต์และที่อยู่อาศัยเซรามิกยังคงดำเนินต่อไปในสหรัฐอเมริกาและหมู่เกาะอินเดียตะวันตก ปริญญาโทสาขาเซรามิกของเธอมาจากมหาวิทยาลัยโคโลราโดโบลเดอร์ ในปี 2009 เธอได้รับรางวัลศิลปะ / อุตสาหกรรมที่อยู่อาศัยในเครื่องปั้นดินเผาที่ศูนย์ศิลปะจอห์นไมเคิลโคห์เลอร์ในวิสคอนซิน

ปัจจุบัน Hatch ทำงานจากสตูดิโอที่บ้านของเธอใน Northampton, MA นอกจากเซรามิกแล้วเธอยังเป็นนักเขียนศิลปินนักออกแบบและสร้างสรรค์ลวดลายผ้าเฟอร์นิเจอร์เครื่องประดับภาพพิมพ์ภาพวาดปากกาและหมึกและภาพวาด เธอได้รับแรงบันดาลใจจากกระแสนิยมในด้านผ้าแบบอักษรเซรามิกและเฟอร์นิเจอร์โดยยอมรับถึงวิถีชีวิตร่วมสมัยซึ่งรวมถึงการพยักหน้าให้ฮิปฮอปเนื้อเพลงอินดี้ข้อความและคำพูดที่รวบรวม

2. Hubert Le Gall Twenty First Century Gallery

 

ฮิวเบิร์ตเลอกัลนักออกแบบชาวฝรั่งเศสเกิดที่ลียงในปี พ.ศ. 1961 เขาจบการศึกษาระดับปริญญาตรีด้านการจัดการในวิทยาลัยและเมื่อสำเร็จการศึกษาย้ายไปปารีส (พ.ศ. 1983) ในปีพ. ศ. 1988 เขาเริ่มวาดภาพและปั้นออกแบบชิ้นส่วนเฟอร์นิเจอร์ที่มีขอบเขตเชื่อมโยงบทกวีและจินตนาการเข้ากับฟังก์ชันการทำงาน

เขาได้รับแรงบันดาลใจจากสิ่งที่เหนือจริง แต่ด้วยเสียงกระซิบ (และเสียงตะโกน) ถึงอารยธรรมกรีกและโรมันศตวรรษที่ 18 ของฝรั่งเศสสมัยจักรวรรดิอาร์ตนูโวและอาร์ตเดโค เขาได้รับแรงบันดาลใจจาก Salvador Dali, Jean Cocteau, Surrealists และ Max Ernst

ผลงานของเขาได้รับเสียงปรบมือจากนานาชาติในปี 1995 เมื่อเขาถูกค้นพบและได้รับการเลื่อนตำแหน่งโดยเจ้าของแกลเลอรี Elisabeth Delacarte การจัดแสดงครั้งแรกของเขาคือที่ Parisian Galerie Avant-Scene และผลงานที่จัดแสดง (รวมถึงโต๊ะเดซี่และกระถางดอกไม้) ได้กลายเป็นของล้ำค่าในฐานะผลงานอันเป็นเอกลักษณ์ของเขา

3. รวย Mnisi. แอฟริกาใต้

 

Rich Mnisi เกิดในแอฟริกาใต้เริ่มต้นธุรกิจของเขาในปี 2014 เขาได้รับการยกย่องว่าเป็นผู้นำด้าน Science of Fashion และได้รับการยกย่องให้เป็นนักออกแบบรุ่นเยาว์แห่งปีของ Africa Fashion International (2014)

เก้าอี้หนังอันเย้ายวนของ Mnisi มีรูปทรงของ Nwa-Mulamula (The Guardian) ที่แสดงถึงการปรากฏตัวของคุณย่าของเขา มันคือการดำรงอยู่ของเธอและคำสอนของเธอที่คงอยู่ตลอดไปผ่านการเล่าเรื่องรุ่นแล้วรุ่นเล่า อุจจาระเป็นรูปดวงตาที่มีแอ่งน้ำสีทอง” …หมายถึงน้ำตาของเธอซึ่งไม่เคยไร้ประโยชน์ หากปราศจากความเจ็บปวดและประสบการณ์ของเธอฉันจะไม่มีอยู่จริง วันนี้ฉันคงเป็นคนที่ฉันเป็นไม่ได้” (Rich Mnisi)

รูปแบบที่ตระการตาเป็นอมตะและแก่นแท้ของพวกมันคือแอฟริกันที่ไม่เหมือนใครในขณะที่น่าหลงใหลในระดับสากล

4. Reinaldo Sanguino แกลเลอรีที่สมบูรณ์แบบในอนาคต เมืองนิวยอร์ก.

 

Reinaldo Sanguino เกิดในเวเนซุเอลาและปัจจุบันทำงานในนิวยอร์กซิตี้ ผลงานศิลปะและเซรามิกของเขาแสดงความเคารพต่อความมีชีวิตชีวาของสภาพแวดล้อมของเขาและแต่ละชิ้นที่มีเอกลักษณ์ใช้ดินเหนียวเป็นโครงสร้างและผ้าใบ

Sanguino จบการศึกษาจาก School of Visual Arts Cristobal Rojas ใน Caracas ประเทศเวเนซุเอลา เขาพัฒนาเทคนิคโดยอาศัยความสนใจในเครื่องลายคราม Meissen และความสำคัญในประวัติศาสตร์ยุโรป เขาได้รับแรงบันดาลใจและอิทธิพลจากการวาดภาพสไตล์กราฟฟิตีและงานของเขาได้รับความสนใจเนื่องจากสีสันสดใสพื้นผิวและวัสดุที่ยืดหยุ่นได้

ในปี 2007 เขาได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัล Louis Comfort Tiffany Biennial Award และเป็นหนึ่งในศิลปินที่เข้าร่วมใน El Museo Del Barrio ฉบับที่ 5 ปี 2007-2008 Biennale, "the (S) Files" ในนิวยอร์กซิตี้

ผลงานของ Sanguino ถูกจัดแสดงที่ Sultan Gallery ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของ Dean Project New York พิพิธภัณฑ์ศิลปะและการออกแบบนิวยอร์ก; พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ฮูสตันเท็กซัส; พิพิธภัณฑ์ MINT ใน Charlotte, North Carolina และ Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota เขาสร้าง Design Miami / เปิดตัวด้วย The Future Perfect (2017)

5. Pamela Sabroso และ Alison Siegel แกลเลอรี Heller นิวยอร์ก

Pamela Sabroso ได้รับ BFA สาขาหัตถกรรมและวัสดุศึกษาจากมหาวิทยาลัย Virginia Commonwealth (2007) และ Alison Siegel ได้รับปริญญาตรีสาขาวิจิตรศิลป์จาก Alfred University (2009) ปัจจุบันพวกเขาอาศัยและทำงานในบรุกลินนิวยอร์ก

พวกเขาเริ่มทำงานร่วมกันในปี 2014 โดยพบว่าความคิดของพวกเขาเกิดขึ้นและผสานกันผ่านภาพวาดการอภิปรายและลักษณะทางกายภาพของการทำงานใกล้ชิดกัน พวกเขาร่วมกันผจญภัยและนำเสนอคุณภาพที่สดใหม่และเป็นเอกลักษณ์ให้กับวัตถุแต่ละชิ้นที่พวกเขาสร้างขึ้น ผลงานสุดท้ายมีความสนุกสนานฉลาดเคลื่อนไหวแหวกแนวและเป็นที่รัก แน่นอนว่าการทำงานในศตวรรษที่ 21 พวกเขาแบ่งปันอิสระในการสร้างสรรค์ที่มีรากฐานมาจากการเคลื่อนไหวของ American Studio Glass ในยุคแรก ๆ

งานที่ใช้แรงงานมากเริ่มจากการทำชิ้นส่วนและแม่พิมพ์ขี้ผึ้งสำหรับเป่าแก้วและขยายไปสู่การเป่าแก้ว Sabroso พูดคุยเกี่ยวกับงานของเธอกับ Siegel“ …เพื่อที่จะสร้างสรรค์คุณต้องยอมให้ตัวเองเปราะบาง เมื่อคุณซื่อสัตย์กับตัวเองคุณจะเปิดเผยมุมมองที่แปลกใหม่และแปลกใหม่ การสร้างสรรค์ที่ผสมผสานกันของเราคือ Stranger Together”

6. แฟรงค์ลอยด์ไรท์ Bernard Goldberg Fine Arts. นิวยอร์ก

ไรท์เกิดที่ริชแลนด์เซ็นเตอร์วิสคอนซิน (พ.ศ. 1867) ในอาชีพสถาปนิก 70 ปี Wright ได้สร้างผลงานออกแบบมากกว่า 1100 ชิ้น แม้ว่าเขาจะเข้ามหาวิทยาลัยวิสคอนซิน (1885) และเรียนวิศวกรรมโยธาในไม่ช้าเขาก็เริ่มไม่พอใจกับสาขานี้ เมื่อเขาทำงานให้กับ Joseph Silsbee ในการก่อสร้าง Unity Chapel เขาตระหนักถึงความหลงใหลในสถาปัตยกรรมดังนั้นเขาจึงย้ายไปชิคาโกและฝึกงานกับ บริษัท สถาปัตยกรรมของ Adler และ Sullivan ซึ่งทำงานโดยตรงกับ Louis Sullivan (1893)

จากนั้นเขาก็ย้ายไปที่ Oak Park รัฐอิลลินอยส์และเริ่มทำงานจากสตูดิโอที่บ้านของเขาซึ่งเขาได้พัฒนาระบบการออกแบบที่พัฒนามาจากหน่วยกริดโดยเน้นวัสดุจากธรรมชาติซึ่งเป็นที่รู้จักในชื่อ Prairie School of Architecture

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 - 1930 เขาใช้เวลากับการสอนและการเขียน ในปีพ. ศ. 1935 เขาเริ่มทำงานใน Fallingwater การออกแบบที่อยู่อาศัยที่โด่งดังที่สุดของเขา ในช่วงทศวรรษที่ 1940 - 1950 เขาให้ความสำคัญกับการออกแบบของ Usonian ซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงความเชื่อของเขาในสถาปัตยกรรมประชาธิปไตยโดยนำเสนอทางเลือกที่อยู่อาศัยของชนชั้นกลาง

ในปีพ. ศ. 1943 เขาได้ออกแบบพิพิธภัณฑ์ Solomon R. Guggenheim ในนิวยอร์ค พิพิธภัณฑ์เปิดในปี 1959 หกเดือนหลังจากที่เขาเสียชีวิตและได้รับการยกย่องว่าเป็นผลงานที่สำคัญที่สุดของเขา

Bernard Goldberg Fine Arts Gallery ในนิวยอร์กเริ่มต้นในปี 1998 โดยทนายความของนิวยอร์ก ปัจจุบันแกลเลอรีมีความเชี่ยวชาญด้านศิลปะอเมริกัน (พ.ศ. 1900-1950) รวมถึง Ashcan, Modernist, Urban Realist, Social Realist และ Regionalist ภาพวาดประติมากรรมและงานบนกระดาษ

Hoi Polloi เข้าร่วมกิจกรรม

 

มองหา Salon ในเดือนพฤศจิกายน 2019 จองล่วงหน้า ... นี่เป็นงานที่โดดเด่นสำหรับทุกคนที่พบว่าโลกแห่งศิลปะและการออกแบบที่น่าหลงใหล

©ดร. Elinor Garely ห้ามทำซ้ำบทความลิขสิทธิ์นี้รวมถึงภาพถ่ายโดยไม่ได้รับอนุญาตเป็นลายลักษณ์อักษรจากผู้เขียน